Trio Uchida-Crozman-Chiu

About the Program

 

Sergei Rachmaninoff (1873–1943)
Trio élégiaque No. 1 in G minor

Sergei Rachmaninoff was born into the Russian aristocracy on one of his father’s estates. There was music on both sides of his family, and he began to study piano with his mother as a four-year-old. He showed such promise that the family engaged a recent graduate of the St. Petersburg Conservatory to live with the family and tutor young Sergei in his music studies. When the family fortunes declined due to Rachmaninoff’s father’s financial incompetence, the family moved to an apartment in St. Petersburg, and ten-year-old Sergei entered the Conservatory there. He was not a good student; he frequently played truant, failed some courses and altered the grades on his report card. So, at age twelve, his family transferred him to the Moscow Conservatory where he studied for the next seven years under stricter circumstances and with much greater success. While he was still in St. Petersburg, Rachmaninoff’s elder sister, Yelena, had introduced him to the music of Pyotr Ilyich Tchaikovsky. This music was to become a lifelong influence. It may have intensified when, in 1892, Tchaikovsky attended a performance of a one-act opera, “Aleko,” which Rachmaninoff had written as a composition project and praised the young student for his work.

Rachmaninoff wrote two elegiac trios while at the Moscow Conservatory. The second, composed in late 1893, is clearly a tribute written to mourn the death of Tchaikovsky, the composer that Rachmaninoff saw as a mentor. “Trio élégiaque No. 1,” composed in January 1892, is a tribute in another way. It is cast in a single long movement, with pronounced similarities to the first movement of Tchaikovsky’s ‘Piano Trio in A minor,” composed in 1882. Tchaikovsky’s long first movement was called “Pezzo elegiaco” (Elegiac Piece), and like it, Rachmaninoff’s “Elegiac Trio” ends with a funeral march. There are other points of reference to Tchaikovsky, but the Trio’s powerful sweep, along an arc of growing animation before the sombre close, is pure Rachmaninoff.

 

Tōru Takemitsu (1930–1996)
Between Tides

Tōru Takemitsu was born in Tokyo in October 1930. Shortly before his fourteenth birthday, he was conscripted into the Japanese army. This experience changed the direction of his life. For one thing, it led him to distance himself from the traditional music of his native Japan since Japanese traditional music "always recalled the bitter memories of war". Second, it was during his term in military service that Takemitsu was introduced to Western classical music, which he listened to with fellow soldiers in secret; they would play it on a gramophone with a makeshift needle fashioned from bamboo. After the war, he listened to as much western music as he could on the U.S. Armed Forces network, and at age sixteen, he committed himself to becoming a composer, because “in music I found my raison d'être as a man. After the war, music was the only thing.” Takemitsu remained largely self-taught throughout his career, yet, despite his lack of formal musical education, he succeeded. He published an enormous amount of music – including over a hundred film scores – in a wide range of styles and genres. Conductor Seiji Ozawa writes: "I am very proud of my friend Toru Takemitsu. He is the first Japanese composer to write for a world audience and achieve international recognition.”

“Between Tides” was completed in 1993, just three years before Takemitsu's death. It is Takemitsu at his most characteristic. The influence of the French Impressionists is easily recognized, but Takemitsu's sensuality has a more meditative feel to it. Many of his works are about water. “Between Tides,” true to its title, ebbs and flows unstoppably, but Takemitsu prevents the music from drifting into merely impressionistic prettiness by grounding it with recurring motifs, textures, and patterns. Debussy's “La mer” depicts the sea in all its moods. Takemitsu's piece does the same, but with his own unique and intimate voice.

 

Olivier Messiaen (1908–1992)
Quatuor pour la fin du temps
V. "Louange à l’Éternité de Jésus"

Olivier Messiaen was born into a literary family in Avignon. His mother was an established poet, his father published a French translation of Shakespeare’s works, and his younger brother also became a poet. Messiaen began to study music as a young child and entered the Conservatoire de Paris when he was eleven. During his decade of studies there, he won prizes in piano performance, music history, organ performance and improvisation, and composition. Upon graduation in 1931, he was appointed organist at the Église de la Sainte-Trinité, a position he held for over sixty years. He also began teaching at the prestigious Schola Cantorum de Paris. He was active in Paris’ artistic circles, helping to found the group, “La Jeune France,” a movement that decried the frivolity of contemporary French music in favour of a "living music, having the impetus of sincerity, generosity and artistic conscientiousness.” In addition, he composed steadily. When World War II broke out, Messiaen was drafted into the French Army as a medical auxiliary. He was captured at Verdun and sent to a prisoner of war camp in Poland. It was at Stalag VIII-A that Messiaen met a clarinetist, a violinist and a cellist, all fellow prisoners. With the help of a sympathetic German guard, Messiaen was able to obtain some paper and a small pencil. He wrote a trio for these three which later was incorporated into a larger piece, “Quartet for the End of Time.”

“Quartet for the End of Time” has been called one of the most important chamber works of the Twentieth Century. It was composed in its entirety in the German prisoner of war camp and premiered there for an audience of prisoners and guards in January 1941. It consists of eight movements, some of which are revisions of earlier compositions. The fifth movement, “Louange à l’Éternité de Jésus", scored for cello and piano, for example, is a reworking of “L’eau”, from the 1937 composition, “Fetes des belles eaux.”

 

Olivier Messiaen (1908–1992)
Quatuor pour la fin du temps
VIII. "Louange à l’immortalité de Jésus"

Music scholar Eric Brahinsky wrote of Olivier Messiaen: “The music of Messiaen tends to be very striking on first hearing. It is often ethereal, but never dainty or frilly. Sometimes powerful, it is never harsh or ugly. The music often displays a feeling of hovering between tonalities without sounding unstable; chords unheard of in common-practice harmony are used extensively, but rarely does the music sound dissonant.” This is an apt description of the closing movement of “Quartet for the End of Time.” The Quartet consists of eight movements and is scored for clarinet, violin, cello and piano simply because these were the four musicians and instruments available to him in the prisoner of war camp where the piece was composed. It was inspired by a reading of the Book of Revelation: “And the angel which I saw stand upon the sea and upon the earth lifted up his hand to heaven, and sware by him that liveth for ever and ever ... that there should be time no longer.” Scored for violin and piano, “Praise to the Immortality of Jesus”, is a direct counterpart to the fifth movement written for cello and piano. Regarding this final movement, Messiaen noted, “Its slow ascent to the acutely extreme is the ascent of man to his god, the child of God to his Father, the being made divine towards Paradise.” Olivier Messiaen was a devout Catholic, but his theology concentrated on joy, divine love and redemption, a view that informed this music.

 

Maurice Ravel (1875–1937)
Piano Trio in A minor
I. Modéré
II. Pantoum (Assez vif)
III. Passacaille (Très large)
IV. Finale (Animé)

Maurice Ravel was born in Ciboure, France, a Basque town eighteen kilometres from the Spanish border. His mother, also Basque, had been raised in Madrid. While the Ravel family moved to Paris before young Maurice was six months old, the Spanish influence shows up in his music time and again. It is the basis of his most familiar piece, “Bolero,” as well as “Rapsodie espagnole,” “Alborado del gracioso,” and “L’heure espagnole.” As a child, he was sensitive to music and loved the Spanish folk songs that his mother sang to him. He began to play piano at age seven and went on to study composition and harmony in his early teens, receiving a grounding in classical Western forms. In fact, his earliest compositions were variations on music of Schumann and Grieg. By the time he was in his twenties, after his studies at the Paris Conservatory, he was well established as a musician in Paris circles.

Ravel was known as a painstaking craftsman as well as an innovator. He began work on the “Piano Trio in A minor” in March of 1914 and early in the summer, he remarked to a friend, "I’ve written my trio. Now all I need are the themes." The traditional four movement structure was in place. He spent much of the summer working on the Trio while staying in the French Basque commune of Saint-Jean-de-Luz, near his birthplace. While he was working on the Trio, he was sketching material for a piano concerto based on Basque themes. Although the piano concerto was never completed, some of the Basque themes found their way into the opening movement of the Trio, which, Ravel noted, was “Basque in colouring”. The second movement is labelled, “Pantoum” after the Malaysian poetic form that uses a system of interlocking lines. Ravel reflects the poetic form in the way he develops the movement’s two themes in alternation. The Passacaglia is the emotional heart of the work. The melody is passed between the three instruments, building to a powerful climax, then dying away. The final movement has an almost orchestral expanse. It is grand, stirring music composed on the eve, and in the shadow, of the First World War.

Program notes by Larry Bent

About the Artists

 

Robert Uchida, violin

Canadian violinist Robert Uchida, Concertmaster of the Edmonton Symphony Orchestra, praised by Strings Magazine for his “ravishing sound, eloquence and hypnotic intensity”, enjoys a diverse career as a soloist, orchestral leader, artistic director, pedagogue and chamber musician.

Robert is Artistic Advisor and Head of Strings of l’Orchestre de la Francophonie in Montreal, a member of the Garneau String Quartet, and Co-Director of the Winspear Centre Conservatory Chamber Music Academy. He has taught and performed throughout North America including the Arizona MusicFest, Banff International String Quartet Festival, Jackson Hole Chamber Music, and the National Arts Centre Young Artists Program. His debut recording of Andrew Violette’s “Sonata for Unaccompanied Violin” won international acclaim, praised by Strad magazine for his virtuosic energy. His most recent recording on ATMA Classique “I can finally feel the sun” with pianist Philip Chiu has been featured regularly by CBC Radio and broadcasters internationally. He performs on the “Dawes, de Long Tearse” Guadagnini violin with Dynamo strings by Thomastik-Infeld Vienna.

 

Cameron Crozman, cello

“With a rich imagination and keen mind” (Diapason), Canadian cellist Cameron Crozman performs as a soloist and chamber musician across Canada, the United States, Asia, and Europe. He has shared the stage with distinguished artists including James Ehnes, Augustin Hadelich, Louis Lortie, Gérard Caussé, James Campbell, and members of the Ébène, New Zealand, and Penderecki Quartets. Recipient of the Fernand-Lindsay Career Grant and the Virginia Parker Prize from the Canada Council for the Arts, Cameron was also named Classical Revelation 2019 by Radio-Canada and took part in Gautier Capuçon’s “Classe d’Excellence” at the Fondation Louis Vuitton in Paris. He studied with Paul Pulford in Canada and Michel Strauss at the Paris Conservatoire. His debut album, “Cavatine”, recorded on the 1696 “Bonjour” Stradivarius cello with pianist Philip Chiu, was praised by Radio-Canada as “a perfect transmission of the essence of modern French music.” His most recent release features Haydn’s “Cello Concertos” and the “Rondo” by Jacques Hétu, in collaboration with Les Violons du Roy conducted by Nicolas Ellis.

Cameron serves as Assistant Artistic Director of the Festival of the Sound, and is co-founder of “ClassicalValley” — a festival uniting wine and chamber music in British Columbia’s Okanagan Valley — and co-Artistic Director of the “HausMusique” concert series in Montréal. Cameron currently plays on a c. 1750 Gennaro Gagliano cello, on loan from the Canada Council for the Arts Instrument Bank and a bow by Georges Léon Lamy generously provided by the company CANIMEX INC. of Drummondville, Québec.

 

Philip Chiu, piano

Winner of the 2023 JUNO award for Solo Classical Album of the Year, Canadian pianist Philip Chiu offers pianistic brilliance, engaging storytelling, and a welcoming stage presence that favours openness, authenticity, and connection with audiences. Described as “a pianist-painter who transforms each musical idea into a beautiful array of colours’’ (La Presse), Philip has become one of Canada’s leading musicians through his infectious love of music and passion for creation and communication.

Philip concertizes extensively as soloist and chamber musician and has performed solo recitals, concerti and chamber music concerts in most major venues across Canada, as well as in France, Japan and the United States. Chamber music partners have included James Ehnes, Emmanuel Pahud, Regis Pasquier, Noah Bendix-Balgley, Bomsori Kim, Johannes Moser, and the New Orford String Quartet; he also has a long-standing violin-piano duo with Jonathan Crow. Philip is a veteran touring artist of Prairie Debut, Jeunesses Musicales Canada, and Debut Atlantic, having toured the country 14 times with their generous support. Philip is represented by Andrew Kwan Artists Management.

Trio Uchida-Crozman-Chiu

À propos de ce concert

ARTISTES : Robert Uchida, violon ; Cameron Crozman, violoncelle ; Philip Chiu, piano

SÉRIE DE CONCERTS SUR LA SCÈNE PRINCIPALE

À propos du programme

 

Sergei Rachmaninoff (1873–1943)
Trio élégiaque no 1 en sol mineur

Serge Rachmaninov est né dans l’aristocratie russe sur l’un des domaines de son père. La musique était présente dans les deux branches de sa famille, et il a commencé l’étude du piano avec sa mère à l’âge de quatre ans. Ses talents étaient tels que la famille a engagé un récent diplômé du Conservatoire de Saint-Pétersbourg pour vivre avec eux et enseigner la musique au jeune Serge. Quand la situation financière familiale s’est détériorée en raison de l’incompétence du père, la famille a déménagé dans un appartement à Saint-Pétersbourg, et Serge, âgé de dix ans, est entré au Conservatoire. Il n’était pas un bon élève, il séchait régulièrement les cours, a échoué à certaines matières et a même modifié les notes sur son bulletin. À douze ans, sa famille l’a donc transféré au Conservatoire de Moscou, où il a étudié pendant les sept années suivantes dans un cadre plus strict et avec beaucoup plus de réussite. Pendant qu’il était encore à Saint-Pétersbourg, sa sœur aînée, Yelena, lui avait fait découvrir la musique de Piotr Ilitch Tchaïkovski. Cette musique est devenue une influence durable dans sa vie. Cette influence a peut-être grandi en 1892 lorsque Tchaïkovski a assisté à une représentation d’un opéra en un acte, « Aleko », écrit par Rachmaninov dans le cadre d’un projet de composition, et a félicité le jeune compositeur.

Rachmaninov a écrit deux trios élégiaques alors qu’il étudiait au Conservatoire de Moscou. Le deuxième, composé à la fin de 1893, est clairement un hommage écrit en réaction à la mort de Tchaïkovski, que Rachmaninov voyait comme un mentor. Le « Trio élégiaque no 1 », composé en janvier 1892, est un hommage d’un autre ordre. L’œuvre est construite en un seul long mouvement, avec des ressemblances marquées avec le premier mouvement du « Trio pour piano en la mineur » de Tchaïkovski, composé en 1882. Le long premier mouvement de Tchaïkovski portait le titre « Pezzo elegiaco », et comme lui, le Trio de Rachmaninov se termine par une marche funèbre. On y retrouve d’autres allusions à Tchaïkovski, mais l’élan et la puissance qui parcourent l’œuvre jusqu’à sa conclusion sombre sont typiquement rachmaninoviens.

 

Tōru Takemitsu (1930–1996)
Between Tides

Tōru Takemitsu est né à Tokyo en octobre 1930. Peu avant ses quatorze ans, il a été enrôlé de force dans l’armée japonaise. Cette expérience a transformé sa vie. Elle l’a poussé à se distancer de la musique traditionnelle japonaise, qui lui rappelait les souvenirs amers de la guerre. Pendant son service, il a découvert la musique classique occidentale, qu’il écoutait en secret avec d’autres soldats, sur un gramophone muni d’une aiguille improvisée en bambou. Après la guerre, il a écouté autant de musique occidentale que possible sur le réseau des Forces armées américaines, et à seize ans, il a décidé de devenir compositeur, déclarant que la musique était devenue sa raison d’être. Takemitsu est resté largement autodidacte. Malgré son absence de formation académique, il a eu une carrière marquante. Il a publié un vaste catalogue, dont plus d’une centaine de musiques de films, couvrant une large gamme de styles. Le chef d’orchestre Seiji Ozawa a écrit : « Je suis fier de mon ami Toru Takemitsu. Il est le premier compositeur japonais à écrire pour un public mondial et à atteindre une reconnaissance internationale. »

« Between Tides », terminé en 1993, seulement trois ans avant sa mort, reflète pleinement sa manière. L’influence des impressionnistes français y est évidente, mais la sensualité de Takemitsu y prend une dimension plus méditative. L’eau est un thème récurrent dans son œuvre. « Between Tides », fidèle à son titre, progresse en flux et reflux, mais Takemitsu évite une simple atmosphère impressionniste en ancrant la musique par des motifs et textures récurrents. Comme « La mer » de Debussy, l’œuvre évoque les multiples visages de l’eau, mais avec une voix personnelle et intime.

 

Olivier Messiaen (1908–1992)
Quatuor pour la fin du temps
V. « Louange à l’Éternité de Jésus »

Olivier Messiaen est né dans une famille de littéraires à Avignon. Sa mère était une poète reconnue, son père a publié une traduction française des œuvres de Shakespeare, et son frère cadet est aussi devenu poète. Messiaen a commencé l’étude de la musique dans son enfance et est entré au Conservatoire de Paris à l’âge de onze ans. Pendant sa décennie d’études, il a remporté des prix en piano, histoire de la musique, orgue, improvisation et composition. À sa graduation, en 1931, il a été nommé organiste à l’Église de la Sainte-Trinité, poste qu’il a occupé pendant plus de soixante ans. Il a aussi commencé à enseigner à la Schola Cantorum de Paris. Il était actif dans les milieux artistiques et a participé à la fondation du groupe « La Jeune France », qui rejetait la frivolité de la musique française contemporaine au profit d’une musique vivante guidée par la sincérité, la générosité et la conscience artistique. En parallèle, il composait régulièrement. Quand la Seconde Guerre mondiale a éclaté, Messiaen a été mobilisé comme auxiliaire médical. Il a été capturé à Verdun et envoyé dans un camp de prisonniers en Pologne. C’est au Stalag VIII-A qu’il a rencontré un clarinettiste, un violoniste et un violoncelliste, tous prisonniers. Avec l’aide d’un garde allemand compatissant, il a obtenu du papier et un petit crayon. Il y a composé un trio pour ces trois musiciens, trio qui sera plus tard intégré dans une œuvre plus vaste, le « Quatuor pour la fin du temps ».

Le « Quatuor pour la fin du temps » est considéré comme l’un des grands chefs-d’œuvre de la musique de chambre du vingtième siècle. Il a été composé entièrement dans le camp de prisonniers et créé là, devant un public de prisonniers et de gardes, en janvier 1941. L’œuvre comprend huit mouvements, dont certains dérivent de compositions antérieures. Le cinquième mouvement, « Louange à l’Éternité de Jésus », pour violoncelle et piano, est une révision du morceau « L’eau » issu de « Fêtes des belles eaux » (1937).

 

Olivier Messiaen (1908–1992)
Quatuor pour la fin du temps
VIII. « Louange à l’immortalité de Jésus »

Le musicologue Eric Brahinsky a écrit à propos de Messiaen : « La musique de Messiaen frappe dès la première écoute. Elle est souvent éthérée, mais jamais fragile. Parfois puissante, mais jamais dure ou laide. Elle donne souvent l’impression de flotter entre des tonalités sans paraître instable. Des accords inconnus de l’harmonie traditionnelle y sont fréquents, mais rarement la musique semble dissonante. » Cette description correspond bien au dernier mouvement du « Quatuor pour la fin du temps ». L’œuvre est écrite pour clarinette, violon, violoncelle et piano, simplement parce que ce sont les instruments et musiciens présents dans le camp de prisonniers. Elle s’inspire d’un passage de l’Apocalypse : « L’ange […] jura par celui qui vit aux siècles des siècles […] qu’il n’y aurait plus de temps. » Le mouvement final, « Louange à l’immortalité de Jésus », pour violon et piano, répond directement au cinquième mouvement pour violoncelle et piano. Messiaen a noté au sujet de cette conclusion : « Son ascension lente vers l’extrême aigu est l’ascension de l’homme vers son Dieu, de l’enfant de Dieu vers son Père, de l’être fait divin vers le Paradis. » Messiaen était un catholique fervent, et sa théologie centrée sur la joie, l’amour divin et la rédemption imprègne cette musique.

 

Maurice Ravel (1875–1937)
Trio pour piano en la mineur
I. Modéré
II.Pantoum (assez vif)
III. Passacaille (très large)
IV. Finale (animé)

Maurice Ravel est né à Ciboure, une ville basque située à dix-huit kilomètres de la frontière espagnole. Sa mère, également basque, avait grandi à Madrid. Bien que la famille ait déménagé à Paris avant que Maurice n’ait six mois, l’influence espagnole revient fréquemment dans sa musique. Elle marque plusieurs de ses œuvres les plus connues, notamment « Boléro », « Rapsodie espagnole », « Alborada del gracioso » et « L’heure espagnole ». Enfant, il aimait la musique et affectionnait les chansons populaires espagnoles que sa mère lui chantait. Il a commencé le piano à sept ans et a ensuite étudié la composition et l’harmonie dans son adolescence, recevant une base solide en formes classiques occidentales. Ses premières œuvres étaient des variations sur Schumann et Grieg. Après ses études au Conservatoire de Paris, il était déjà bien établi dans les milieux musicaux.

Ravel était reconnu pour son travail minutieux et son esprit novateur. Il a commencé le « Trio pour piano en la mineur » en mars 1914. Au début de l’été, il disait à un ami : « J’ai écrit mon trio. Il ne me manque plus que les thèmes. » La structure en quatre mouvements était déjà fixée. Il a passé une grande partie de l’été à travailler sur l’œuvre pendant un séjour à Saint-Jean-de-Luz, près de son lieu de naissance. Durant ce travail, il esquissait aussi des idées pour un concerto pour piano basé sur des thèmes basques. Le concerto n’a jamais été achevé, mais plusieurs de ces thèmes ont trouvé leur place dans le premier mouvement du Trio, que Ravel qualifiait de « basque dans sa couleur ». Le deuxième mouvement, « Pantoum », doit son titre à une forme poétique malaisienne fondée sur l’entrelacement des vers. Ravel transpose cette idée en développant deux thèmes en alternance. La Passacaille constitue le cœur émotionnel du Trio. La mélodie circule entre les trois instruments, culmine, puis s’éteint. Le dernier mouvement a une ampleur quasi orchestrale. C’est une musique grande et animée, écrite à la veille de la Première Guerre mondiale.

Notes de programme par Larry Bent

À propos des artistes

 

Robert Uchida, violon

Le violoniste canadien Robert Uchida, violon solo de l’Edmonton Symphony Orchestra, salué par le magazine Strings pour son « son envoûtant, son éloquence et son intensité hypnotique », mène une carrière variée comme soliste, chef d’orchestre, directeur artistique, pédagogue et chambriste.

Robert est conseiller artistique et chef des cordes de l’Orchestre de la Francophonie à Montréal, membre du Quatuor Garneau et codirecteur de la Winspear Centre Conservatory Chamber Music Academy. Il a enseigné et joué un peu partout en Amérique du Nord, dont au Arizona MusicFest, au Banff International String Quartet Festival, au Jackson Hole Chamber Music et au programme des jeunes artistes du Centre national des Arts. Son premier enregistrement de la « Sonata for Unaccompanied Violin » d’Andrew Violette a reçu des éloges internationaux, Strad soulignant son énergie virtuose. Son enregistrement le plus récent chez ATMA Classique, « I can finally feel the sun », avec le pianiste Philip Chiu, est régulièrement présenté par CBC Radio et par des diffuseurs à l’étranger. Il joue un violon Guadagnini « Dawes, de Long Tearse » avec des cordes Dynamo de Thomastik-Infeld Vienna.

 

Cameron Crozman, violoncelle

« Avec une riche imagination et un esprit vif » (Diapason), le violoncelliste canadien Cameron Crozman se produit comme soliste et chambriste au Canada, aux États-Unis, en Asie et en Europe. Il a partagé la scène avec des artistes importants comme James Ehnes, Augustin Hadelich, Louis Lortie, Gérard Caussé, James Campbell et des membres des quatuors Ébène, New Zealand et Penderecki. Lauréat de la bourse de carrière Fernand-Lindsay et du prix Virginia Parker du Conseil des arts du Canada, Cameron a aussi été nommé Révélation classique 2019 par Radio-Canada et a participé à la « Classe d’Excellence » de Gautier Capuçon à la Fondation Louis Vuitton à Paris. Il a étudié avec Paul Pulford au Canada et Michel Strauss au Conservatoire de Paris. Son premier album, « Cavatine », enregistré sur le Stradivarius « Bonjour » de 1696 avec le pianiste Philip Chiu, a été salué par Radio-Canada comme « une transmission parfaite de l’essence de la musique française moderne ». Son enregistrement le plus récent présente les « Concertos pour violoncelle » de Haydn et le « Rondo » de Jacques Hétu, en collaboration avec Les Violons du Roy sous la direction de Nicolas Ellis.

Cameron est directeur artistique adjoint du Festival of the Sound et cofondateur de « ClassicalValley », un festival qui réunit vin et musique de chambre dans la vallée de l’Okanagan en Colombie-Britannique, ainsi que co-directeur artistique de la série de concerts « HausMusique » à Montréal. Il joue actuellement un violoncelle Gennaro Gagliano vers 1750 prêté par la Banque d’instruments du Conseil des arts du Canada, ainsi qu’un archet de Georges Léon Lamy généreusement fourni par la société CANIMEX INC. de Drummondville, Québec.

 

Philip Chiu, piano

Lauréat du prix JUNO 2023 pour l’album classique solo de l’année, le pianiste canadien Philip Chiu combine brillance pianistique, sens du récit et une présence chaleureuse qui privilégie l’ouverture, l’authenticité et le lien avec le public. Décrit comme « un pianiste-peintre qui transforme chaque idée musicale en une belle gamme de couleurs » (La Presse), Philip est devenu un musicien majeur au pays grâce à son amour de la musique et son désir de créer et de communiquer.

Philip se produit largement comme soliste et chambriste et a donné des récitals, des concertos et des concerts de musique de chambre dans la plupart des grandes salles du Canada, ainsi qu’en France, au Japon et aux États-Unis. Il a joué avec James Ehnes, Emmanuel Pahud, Regis Pasquier, Noah Bendix-Balgley, Bomsori Kim, Johannes Moser et le Quatuor à cordes New Orford. Il forme aussi un duo violon-piano de longue date avec Jonathan Crow. Philip a réalisé quatorze tournées nationales grâce au soutien de Prairie Debut, des Jeunesses Musicales Canada et de Debut Atlantic. Philip est représenté par Andrew Kwan Artists Management.