Christian Paquette & Steve Cowan

 

Béla Bartók (1881-1945)

Roumanian Folk Dances

Bartok is considered one of the most important composers of the Twentieth Century.  He is also rated alongside Franz Liszt as the greatest of Hungarian composers. Born in the Kingdom of Hungary, he was a gifted child. His mother, who taught him piano, claimed that he could distinguish between different dance rhythms before he could talk. He composed piano pieces from the age of nine and made his concert debut as an eleven year old. In his twenties, he met, and was influenced by Richard Strauss and Claude Debussy, but it was his meeting with Zoltan Kodaly which changed his musical direction. Together, they began to explore and collect folk music of his native Hungary (which at that time included Transylvania, now a part of Romania). Bartók and Kodály set about incorporating elements of Magyar peasant music into their compositions. They both frequently quoted folk song melodies verbatim and wrote pieces derived entirely from authentic songs.

Among the pieces based on peasant tunes he heard in Transylvania is his set of six Romanian Folk Dances. In their original incarnation, these six brief dances were played on fiddle or shepherd’s flute.  Bartok made piano arrangements of the melodies in 1915 and two years later orchestrated them for a small ensemble. Since then, the Romanian Folk Danceshave been performed frequently and have been arranged for piano/violin duo, for string orchestra, for two cellos, and for flute and guitar.

Toru Takemitsu (1930-1996)

Toward The Sea

I. The Night
II. Moby Dick
III. Cape Cod

Tōru Takemitsu was born in Tokyo in October, 1930. Shortly before his fourteenth birthday, he was conscripted into the Japanese army. This experience changed the direction of his life. For one thing, it led him to distance himself from the traditional music of his native Japan since Japanese traditional music "always recalled the bitter memories of war".  Second, it was during his term in military service that Takemitsu was introduced to Western classical music, which he listened to with fellow soldiers in secret; they would play it on a gramophone with a makeshift needle fashioned from bamboo.  After the war, he listened to as much western music as he could on the U.S. Armed Forces network, and at age sixteen, he committed himself to becoming a composer, because “in music I found my raison d'être as a man. After the war, music was the only thing.”  Takemitsu remained largely self-taught throughout his career, yet, despite his lack of formal musical education, he succeeded.  He published an enormous amount of music – including over a hundred film scores – in a wide range of styles and genres. As conductor Seiji Ozawa noted: "Toru Takemitsu...is the first Japanese composer to write for a world audience and achieve international recognition.”

Toward the Sea was composed in 1981 on a commission from Green Peace’s “Save the Whales”  campaign. Three different versions exist, but the original was composed for flute and guitar. The titles of the three sections are references to Herman Melville’s novel Moby Dick. Takemitsu said that he wished to emphasize the “spiritual dimension of the book” and noted that "the music is a homage to the sea which creates all things and a sketch for the sea of tonality.”

 

Claude Debussy (1862-1916)

Four Debussy Pieces

La fille aux cheveux de lin
Syrinx
Rêverie
Golliwog's Cakewalk

Debussy composed “Syrinx” in 1913.  It was the first significant piece composed for solo flute since C.P.E.Bach’s Sonata for Flute in A minor written in 1747.  It was originally played offstage as incidental music for Gabriel Mourey’s play Psyche.  The title “Syrinx” refers to the Greek myth where the nymph, Syrinx, is pursued by the god, Pan. To elude him, she transforms herself into reeds and hides in a marsh. Pan, lamenting losing her, unknowingly cuts down the reeds and transforms them into a pan flute on which he plays his lament.

 “La fille aux cheveux de lin” (“The Girl with the Flaxen Hair”) was composed as one of a set of Preludes. It was completed in January of 1910 and received its premiere in London in June of that year followed shortly thereafter by its American premiere, attaining global success almost instantly.  It was inspired by Leconte de Lisle’s love poem of the same name.  In art and poetry, flaxen hair has been used as a symbol of innocence and naivety, and Debussy captures this in the simplicity of its memorable tune.

“Rêverie” is another of Debussy’s most popular pieces.  In spite of that, Debussy dismissed it as “a thing of no importance” which he had tossed off as a favour to his publisher and for “purely material considerations” This dismissal perhaps stems from the piece’s simplicity. Composed in 1890, quite early in his career, “Rêverie” is calm, peaceful and prioritizes atmosphere and reaching a dreamlike state. Thus, it is often used as music for mindfulness and meditation exercises.

In 1908, Debussy composed a suite of pieces for his three year old daughter, Claude-Emma (whom he called Chouchou). The suite, Children’s Corner, depicts toys that come to life.  “Golliwog's Cakewalk” is the last in the series of six pieces. The Golliwog of the title was a popular black rag doll of that era, and a cakewalk was a dance competition for which the winner “took the cake” that was awarded as a prize. It is clearly influenced by Afro-American ragtime and jazz, which Debussy considered America’s most worthwhile contribution to classical music.

 

Jason Noble (born 1980)

Folk Suite

Jason Noble, composer, researcher and educator, is a proud native Newfoundlander who often incorporates elements of his Newfoundland heritage into his music. He possesses a music degree from Memorial University as well as a PhD from McGill and he is currently Professor of Instrumental and Electroacoustic Composition at Université de Moncton.  His compositions have been performed across Canada, the United States, throughout most of Europe and in New Zealand.  His compositions have been called “a remarkable achievement, indeed brilliant, colourful, astounding, challenging.” His work seeks balance between innovation and accessibility, motivated by a belief that contemporary music can be genuinely progressive and genuinely accessible at the same time.

Folk Suite, was initially composed for marimba and cello in 2019 and later arranged for guitar and flute. This later arrangement was nominated for an East Coast Music Award (ECMA) for outstanding composition after it was recorded in 2023. The suite consists of six brief sections which blend the traditional and the contemporary and feature especially elements of Newfoundland folk music. The six sections are as follows: i Overture, ii Air, iii Ceilidh, iv Ballad, v Jig and vi. Reel.

 

 

Astor Piazzolla (1921-1992)

Histoire du Tango

I. Bordel 1900
II. Café 1930
III. Nightclub 1960

Astor Piazzolla was born near Buenos Aires in Argentina.  When he was four, his family moved to America and settled in Greenwich Village in New York. Here, young Piazzolla was exposed to jazz and classical music, but also spent hours listening to his father’s collection of tango records. His father bought him a bandoneon from a pawn shop when he was eight and by the time he was twelve, he was playing Bach on the bandoneon and composing tangos. Shortly after his family moved back to Argentina in 1936, Piazzolla began to play with local tango orchestras, sometimes arranging and composing music for the orchestras to perform. He studied composition during the days while performing at night, and in 1953, his composition Buenos Aires Symphony won him an opportunity to go to Paris to study with Nadia Boulanger, the world’s foremost musical pedagogue. She encouraged him to focus on the tango, the music that was so obviously close to his heart.  On his return to Argentina, he formed the “Octeto Buenos Aires”. His octet broke the mould of the typical tangoorchestra by creating a sound closer to chamber music but with jazz-like improvisations. This “nuevo tango” was controversial in his homeland, but it gained acceptance in Europe and North America. In effect, Piazzolla had moved the tango out of the bordellos and dance halls and into the concert hall.

Composed in 1985, Histoire du Tango is a four movement piece of music which conveys the development of the tango. The tango originated in Buenos Aires in 1882. It was first played on guitar and flute. The opening movement, “Bordel 1900” is a high-spirited tango painting a picture of the good natured chatter of the women who peopled the bordellos as they teased the policemen, thieves, sailors, and riffraff who came to see them.  “Café, 1930” presents another age of the tango. People stopped dancing to it as they had in 1900, preferring instead simply to listen to it. It became more romantic. This tango has undergone total transformation: the movements are slower, with new and often melancholy harmonies. “Nightclub 1960” is the third movement. It marks a transition from the tango from dance music to a more modern music that fuses the international rhythms of jazz and bossa nova with the traditional sound of the tango.

Béla Bartók (1881-1945)

« Roumanian Folk Dances »

Bartók est considéré comme l’un des compositeurs les plus importants du XXe siècle. On le place aussi aux côtés de Franz Liszt parmi les plus grands compositeurs hongrois. Né dans le Royaume de Hongrie, il a montré très tôt des dons exceptionnels. Sa mère, qui lui enseignait le piano, affirmait qu’il distinguait différents rythmes de danse avant même de parler. Il a composé des pièces pour piano dès l’âge de neuf ans et a fait ses débuts en concert à onze ans. Dans la vingtaine, il a rencontré Richard Strauss et Claude Debussy, qui l’ont influencé, mais sa rencontre avec Zoltán Kodály a transformé son orientation musicale. Ensemble, ils ont commencé à explorer et à recueillir la musique folklorique de leur Hongrie natale, qui comprenait alors la Transylvanie, aujourd’hui une région de la Roumanie. Bartók et Kodály ont entrepris d’intégrer des éléments de la musique paysanne magyare à leurs compositions. Tous deux citaient souvent des mélodies folkloriques mot pour mot et écrivaient des œuvres entièrement dérivées de chants authentiques.

Parmi les œuvres inspirées des airs paysans entendus en Transylvanie figure ce recueil de six « Romanian Folk Dances ». À l’origine, ces six brèves danses étaient jouées au violon ou à la flûte de berger. Bartók en a fait des arrangements pour piano en 1915, puis, deux ans plus tard, les a orchestrées pour un petit ensemble. Depuis, les « Romanian Folk Dances » sont souvent jouées et ont été arrangées pour duo piano-violon, pour orchestre à cordes, pour deux violoncelles, ainsi que pour flûte et guitare.

 

Toru Takemitsu (1930-1996)

« Toward The Sea »

I. « The Night »
II. « Moby Dick »
III. « Cape Cod »

Tōru Takemitsu est né à Tokyo en octobre 1930. Peu avant son quatorzième anniversaire, il a été enrôlé dans l’armée japonaise. Cette expérience a changé le cours de sa vie. D’abord, elle l’a amené à prendre ses distances avec la musique traditionnelle de son Japon natal, puisque la musique traditionnelle japonaise « rappelait toujours les amers souvenirs de la guerre ». Ensuite, c’est durant son service militaire que Takemitsu a découvert la musique classique occidentale, qu’il écoutait en secret avec d’autres soldats. Ils la faisaient jouer sur un gramophone, avec une aiguille improvisée taillée dans du bambou. Après la guerre, il a écouté autant de musique occidentale que possible sur le réseau des forces armées américaines. À seize ans, il s’est consacré à la composition, parce que « dans la musique, j’ai trouvé ma raison d’être comme homme. Après la guerre, la musique était la seule chose ». Takemitsu est resté en grande partie autodidacte tout au long de sa carrière et, malgré l’absence de formation musicale formelle, il a réussi. Il a publié une quantité considérable de musique, dont plus d’une centaine de musiques de film, dans un vaste éventail de styles et de genres. Comme l’a noté le chef Seiji Ozawa : « Toru Takemitsu… est le premier compositeur japonais à écrire pour un public mondial et à obtenir une reconnaissance internationale. »

« Toward the Sea » a été composée en 1981, sur commande de la campagne « Save the Whales » de Greenpeace. Trois versions existent, mais l’originale a été écrite pour flûte et guitare. Les titres des trois sections font référence au roman « Moby Dick » de Herman Melville. Takemitsu a dit qu’il souhaitait mettre en valeur la « dimension spirituelle du livre » et a noté que « la musique est un hommage à la mer qui crée toutes choses et une esquisse de la mer de la tonalité ».

 

Claude Debussy (1862-1916)

« Quatre pièces de Debussy »

« La fille aux cheveux de lin »
« Syrinx »
« Rêverie »
« Golliwog’s Cakewalk »

Debussy a composé « Syrinx » en 1913. Il s’agissait de la première œuvre importante écrite pour flûte seule depuis la « Sonata for Flute in A minor » de C.P.E. Bach, composée en 1747. À l’origine, la pièce était jouée hors scène comme musique de scène pour la pièce « Psyche » de Gabriel Mourey. Le titre « Syrinx » renvoie au mythe grec où la nymphe Syrinx est poursuivie par le dieu Pan. Pour lui échapper, elle se transforme en roseaux et se cache dans un marais. Pan, déplorant sa perte, coupe sans le savoir les roseaux et les transforme en flûte de Pan, sur laquelle il joue sa lamentation.

« La fille aux cheveux de lin » (« The Girl with the Flaxen Hair ») a été composée dans le cadre d’un recueil de préludes. L’œuvre a été achevée en janvier 1910 et a connu sa création à Londres en juin de la même année, suivie peu après par sa création américaine, avec un succès mondial presque immédiat. Elle s’inspire du poème d’amour de Leconte de Lisle portant le même titre. En art et en poésie, les cheveux couleur lin ont servi de symbole d’innocence et de naïveté, et Debussy traduit cela par la simplicité de sa mélodie mémorable.

« Rêverie » compte aussi parmi les pièces les plus populaires de Debussy. Malgré cela, Debussy l’a écartée en la qualifiant de « chose sans importance » écrite à la hâte pour rendre service à son éditeur et pour des « considérations purement matérielles ». Cette prise de distance vient peut-être de la simplicité de la pièce. Composée en 1890, assez tôt dans sa carrière, « Rêverie » reste calme et paisible, et privilégie l’atmosphère et l’accès à un état rêveur. Pour cette raison, on l’emploie souvent dans des exercices de pleine conscience et de méditation.

En 1908, Debussy a composé une suite pour sa fille de trois ans, Claude-Emma, qu’il appelait Chouchou. La suite, « Children’s Corner », met en scène des jouets qui prennent vie. « Golliwog’s Cakewalk » est la dernière des six pièces. Le golliwog du titre était une poupée noire en chiffon populaire à l’époque, et le cakewalk était un concours de danse dont le gagnant « remportait le gâteau » remis en prix. La pièce s’inspire clairement du ragtime et du jazz afro-américains, que Debussy considérait comme la contribution la plus valable de l’Amérique à la musique classique.

 

Jason Noble (né en 1980)

« Folk Suite »

Jason Noble, compositeur, chercheur et pédagogue, est un fier Terre-Neuvien qui intègre souvent des éléments de son héritage terre-neuvien à sa musique. Il détient un diplôme en musique de l’Université Memorial ainsi qu’un doctorat (PhD) de l’Université McGill, et il est actuellement professeur de composition instrumentale et électroacoustique à l’Université de Moncton. Ses œuvres ont été jouées partout au Canada, aux États-Unis, dans la majeure partie de l’Europe et en Nouvelle-Zélande. On a qualifié ses compositions de « remarquable réussite, brillante, colorée, stupéfiante, exigeante ». Son travail cherche un équilibre entre innovation et accessibilité, porté par la conviction que la musique contemporaine peut être progressive et accessible à la fois.

« Folk Suite » a d’abord été composée pour marimba et violoncelle en 2019, puis arrangée plus tard pour guitare et flûte. Cette version a été mise en nomination aux East Coast Music Awards (ECMA) dans la catégorie composition remarquable après son enregistrement en 2023. La suite comporte six courtes sections qui marient tradition et modernité, en mettant particulièrement en valeur des éléments de la musique folklorique de Terre-Neuve. Les six sections sont les suivantes : i. « Overture », ii. « Air », iii. « Ceilidh », iv. « Ballad », v. « Jig » et vi. « Reel ».

 

Astor Piazzolla (1921-1992)

« Histoire du Tango »

I. « Bordel 1900 »
II. « Café 1930 »
III. « Nightclub 1960 »

Astor Piazzolla est né près de Buenos Aires, en Argentine. À l’âge de quatre ans, sa famille a déménagé aux États-Unis et s’est installée à Greenwich Village, à New York. Là, le jeune Piazzolla a découvert le jazz et la musique classique, tout en passant des heures à écouter la collection de disques de tango de son père. Son père lui a acheté un bandonéon dans un prêteur sur gages quand il avait huit ans. À douze ans, il jouait Bach au bandonéon et composait des tangos. Peu après le retour de sa famille en Argentine en 1936, Piazzolla a commencé à jouer avec des orchestres de tango locaux, en arrangeant parfois des œuvres et en composant pour eux. Il étudiait la composition le jour tout en se produisant le soir. En 1953, sa composition « Buenos Aires Symphony » lui a valu l’occasion d’aller à Paris étudier auprès de Nadia Boulanger, considérée comme la plus grande pédagogue musicale de son époque. Elle l’a encouragé à se consacrer au tango, cette musique si proche de lui. À son retour en Argentine, il a fondé le « Octeto Buenos Aires ». Son octuor a rompu avec le modèle de l’orchestre de tango traditionnel, créant un son plus proche de la musique de chambre, avec des improvisations d’esprit jazz. Ce « nuevo tango » a suscité la controverse dans son pays, mais il a gagné en reconnaissance en Europe et en Amérique du Nord. Piazzolla a ainsi déplacé le tango des bordels et des salles de danse vers la salle de concert.

Composée en 1985, « Histoire du Tango » est une œuvre en quatre mouvements qui retrace l’évolution du tango. Le tango est né à Buenos Aires en 1882. À ses débuts, il se jouait à la guitare et à la flûte. Le premier mouvement, « Bordel 1900 », est un tango animé qui évoque les bavardages de bonne humeur des femmes des bordels, taquinant les policiers, les voleurs, les marins et toute la faune de passage venue les voir. « Café 1930 » présente une autre époque du tango. On a cessé de le danser comme en 1900, préférant l’écouter. Il est devenu plus romantique. Le tango subit alors une transformation complète : tempos plus lents, harmonies nouvelles, souvent mélancoliques. « Nightclub 1960 » est le troisième mouvement. Il marque une transition du tango, de musique de danse vers une musique plus moderne qui fusionne les rythmes internationaux du jazz et de la bossa nova avec la sonorité traditionnelle du tango.

Notes de programme par Larry Bent